december 2015
Handel: Partenope, HWV 27
Karina Gauvin & Philippe Jaroussky; Il Pomo d’Oro o.l.v. Riccardo Minasi
Briljante zang en doordachte karakterisering van Gauvin en Jaroussky, en een dirigent in Minasi die geniet van het dramatische potentieel van de partituur, maken dit een fantastische release
‘[Senesino] bezorgde me het zweet toen hij me vertelde dat Parthenope waarschijnlijk op het podium zou worden gebracht, want het is het allerslechtste boek (op één na) dat ik ooit in mijn hele leven heb gelezen…’ (Owen Swiney)
Alle redenen waarom Partenope oorspronkelijk in 1726 door de Royal Academy of Music in Londen werd afgewezen – frivole toon, gebrek aan uitgebreide aria’s en te veel recitatief – zijn de redenen die het zo natuurlijk geschikt maken voor een hedendaags publiek. EJ Dent beschrijft het libretto als ‘Shakespeareaans’, waarbij hij de vinger legt op de ongebruikelijke balans van dramatische modi die Stampiglia en Händel bereiken in een verhaal dat eindigt in een dubbele bruiloft, maar net zo goed in een tragedie zou kunnen eindigen. Kortere aria’s distilleren alle volwassen melodieuze instincten van Händel in meer emotioneel geconcentreerde expressies, terwijl langere recitatieven zorgen voor snellere, geestigere interactie en meer gedetailleerde karakterontwikkeling.
Wat het des te verbijsterender maakt dat dit pas de derde commerciële opname van de opera is, na Sigiswald Kuijken (1979) en Christian Curnyn (2004), en de dvd-productie geregisseerd door Francisco Negrin (2008). Hoewel alle drie hun interesse hebben en Curnyns behandeling een waardevolle maatstaf is sinds de release, is Riccardo Minasi's triomfantelijke nieuwe opname zo gevoelig voor de veranderende toon van het werk - afwisselend opgewekt en lichtvoetig, teder, humoristisch (luister maar naar de schijngevechtsachtige smaak van de hoorns in Rosmira's Act 1-afsluiter 'Io seguo sol fiero') - en zo onberispelijk gecast dat de deugden van dit ongewone werk scherp in beeld komen.
Centraal in Händels liefdesverwarring staat koningin Partenope, die moet kiezen tussen haar vele aanbidders: Emilio, de strijdlustige prins van het naburige Cuma, de gladde Arsace, die zijn geliefde Rosmira in de steek heeft gelaten om de koningin te achtervolgen, en de verlegen oprechte Armindo.
Een gevecht op het podium voegt politieke reikwijdte en instrumentale kleur toe aan een in wezen huiselijk verhaal, wat een opwindende reeks orkestrale en vocale episodes oplevert. De inleidende Marche legt het verschil vast tussen Curnyn en Minasi. Nauwkeurig, afgemeten en qua textuur schoon, Curnyns gevecht zou elke Britse generaal trots maken, maar dat van Minasi is het bloemrijke, luidruchtige conflict van de opera, helder met rinkelende percussietoevoegingen en het zwaardgekletter van Federica Bianchi en Davide Pozzi's klavecimbels. Je ruikt het bloed en de opschepperij.
Is er een betere Händeliaanse sopraan dan Karina Gauvin die momenteel werkt? Haar Partenope doet niets om de glans op de kroon van de Canadees te verdoezelen. De koningin moet tot het einde een geheim blijven, zonder ooit haar hand te laten zien. Gauvin trekt net strak genoeg aan de snaren van haar geliefden om ze aan het dansen te krijgen. We horen het genot in haar buitengewone ‘Spera o godi’, waarin ze Armindo tegelijkertijd prijst en Arsace (Minasi’s orkest haar gewillige medeplichtige) straft, en de nonchalante schittering van haar hoge C in haar openingsaria ‘L’amor ed il destin’ wordt met berekend gemak ingezet. Toch zit er een verlegen warmte in haar ‘Si, scherza, si’ die zegt dat de verleidster eindelijk een vrouw is geworden die de trouwe Armindo waardig is.
In tegenstelling tot Lawrence Zazzo’s vocale spierballen (Chandos) en René Jacobs’ krachtige voordracht (Sony), is Philippe Jaroussky’s Arsace één en al zachtheid – meer een minnaar dan een vechter, en daardoor des te overtuigender. Hij zingt zijn beloften aan de verlaten Rosmira met zo'n oprechtheid ('Ch'io parta?') dat noch zij noch wij hem kunnen weigeren. Jaroussky's heldere, lichte instrument vangt zowel de knorrige ijdelheid van het personage ('Sento amor') als zijn fragiele charme ('Ma quai note').
Door een sopraan als Armindo te casten in plaats van een countertenor (zoals Curnyn en Kuijken doen), krijgt de rol een onschuld die een aangrijpend contrast vormt met de bedrieglijke Arsace. Emo˝ke Baráth is een voortreffelijke, overtuigende aanbidder. De Hongaarse zanger groeit van aarzelende fijngevoeligheid in Act 1 naar klinkende vreugde in Act 3 - een constante van oprechtheid in deze groep huichelaars. Mezzo Teresa Iervolino maakt veel gebruik van Rosmira's laaggelegen muziek, waarbij ze zelfs in de diepten van 'Furie son dell'alma mia' vocale kleur behoudt, en samen met bas Luca Tittoto (wonderbaarlijk karaktervol en behendig in de ondersteunende rol van Ormonte, chef van de wacht) een verankerende diepte aan een werk dat wordt gedomineerd door zoveel bovenstemmen.
Minasi volgt eerdere opnames door Händels originele partituur uit 1730 te gebruiken als basis voor zijn uitvoeringseditie, maar steelt ook oordeelkundig van latere heropvoeringen - met name een extra aria voor Armindo ('Come se ti vedro') en een aantrekkelijke trompetsinfonia. Het resultaat, gepolijst met de snelle snelheden en zorgvuldige pacing van de dirigent, is een opname die geen beelden nodig heeft om het verhaal tot leven te brengen, een opera die levendig is met menselijk inzicht en begrip - voor komedie wat Giulio Cesare is voor tragedie.
Minasi heeft een meesterwerk gemaakt, de voorbijgaande blikken en zijdelingse glimlachjes van Handels partituur opgevangen en ze getransformeerd tot iets van echte dramatische substantie. Minasi’s back-catalogue is uitzonderlijk, maar dit is zijn beste werk tot nu toe.
‘[Senesino] put me in a sweat in telling me that Parthenope was likely to be brought on the stage, for it is the very worst book (excepting one) that I ever read in my whole life…’ (Owen Swiney)
All the reasons why Partenope was originally rejected by London’s Royal Academy of Music in 1726 – frivolity of tone, lack of extended arias and too much recitative – are those which make it so natural a fit for a contemporary audience. EJ Dent describes the libretto as ‘Shakespearean’, putting his finger on the unusual balance of dramatic modes Stampiglia and Handel achieve in a story that ends in a double wedding but could just as easily end in tragedy. Shorter arias distil all Handel’s mature melodic instincts into more emotionally concentrated expressions, while longer recitatives allow for quicker, wittier interplay and more detailed character development.
Which makes it all the more baffling that this is only the third commercial recording of the opera, joining Sigiswald Kuijken (1979) and Christian Curnyn (2004), as well as the DVD production directed by Francisco Negrin (2008). While all three have their interest, and Curnyn’s treatment has been a valuable benchmark since its release, Riccardo Minasi’s triumphant new recording is so sensitive to the work’s shifting tone – by turns buoyant and light-footed, tender, humorous (just listen to the mock-martial relish of the horns in Rosmira’s Act 1 closer ‘Io seguo sol fiero’) – and so impeccably cast as to bring this unusual work’s virtues into sharp new focus.
At the centre of Handel’s love-tangle is Queen Partenope, who must choose between her many suitors: Emilio, the pugnacious Prince of neighbouring Cuma, smooth-talking Arsace, who has abandoned his beloved Rosmira to pursue the queen, and the shyly sincere Armindo.
An onstage battle adds political scope and instrumental colour to an essentially domestic narrative, generating a thrilling sequence of orchestral and vocal episodes. The introductory Marche captures the difference between Curnyn and Minasi. Precise, measured and texturally clean, Curnyn’s battle would do any British general proud, but Minasi’s is the florid, boisterous conflict of opera, bright with jangling percussion additions and the sword-clatter commentary of Federica Bianchi and Davide Pozzi’s harpsichords. You can smell the blood and the braggadocio.
Is there a better Handelian soprano than Karina Gauvin currently working? Her Partenope does nothing to dull the sheen on the Canadian’s crown. The queen must remain a cipher to the end, never showing her hand. Gauvin twitches her lovers’ strings just tightly enough to set them dancing. We hear the relish in her extraordinary ‘Spera o godi’, in which she simultaneously praises Armindo and punishes Arsace (Minasi’s orchestra her willing co-conspirator), and the casual brilliance of her top C in her opening aria ‘L’amor ed il destin’ is deployed with calculated ease. Yet there’s a shy warmth to her ‘Si, scherza, si’ that says that the seductress has finally become a woman worthy of the faithful Armindo.
In contrast to Lawrence Zazzo’s vocal muscularity (Chandos) and René Jacobs’s forceful delivery (Sony), Philippe Jaroussky’s Arsace is all softness – more a lover than a fighter, and the more persuasive for it. He croons his promises to the forsaken Rosmira with such sincerity (‘Ch’io parta?’) that neither she nor we can refuse him. Jaroussky’s bright, light instrument captures both the character’s peevish vanity (‘Sento amor’) and his fragile charm (‘Ma quai note’).
Casting a soprano as Armindo rather than a countertenor (as both Curnyn and Kuijken do) gives the role an innocence that articulates a poignant contrast with the deceitful Arsace. Emo˝ke Baráth makes an exquisite, persuasive suitor. The Hungarian singer grows from tentative delicacy in Act 1 to ringing joy in Act 3 – a constant of sincerity in this group of dissemblers. Mezzo Teresa Iervolino makes much of Rosmira’s low-lying music, retaining vocal colour even in the depths of ‘Furie son dell’alma mia’, and together with bass Luca Tittoto (wonderfully characterful and agile in the supporting role of Ormonte, chief of guards) brings an anchoring depth to a work dominated by so many upper voices.
Minasi follows previous recordings in using Handel’s original 1730 score as the basis for his performing edition, but also steals judiciously from later revivals – notably an extra aria for Armindo (‘Come se ti vedro’) and an attractive trumpet sinfonia. The result, burnished with the conductor’s swift speeds and careful pacing, is a recording that needs no visuals to bring its story to life, an opera lively with human insight and understanding – to comedy what Giulio Cesare is to tragedy.
Minasi has made a masterpiece, catching the passing glances and sideways smiles of Handel’s score, and transforming them into something of real dramatic substance. Minasi’s back-catalogue is exceptional but this is his finest work yet.