december 2017

Debussy: Pelléas et Mélisande

London Symphony Chorus and Orchestra o.l.v. Sir Simon Rattle

De verwachtingen zijn hooggespannen voor de nieuwe samenwerking van Sir Simon Rattle met het LSO; dit is een werk waar hij duidelijk van houdt, en het resultaat voorspelt veel goeds voor alles wat nog komen gaat.

Dit is een overname van een Peter Sellars-platform-enscenering van Debussy's opera uit Berlijn. Sellars' regie van de cast (identiek in Londen aan Berlijn) heeft duidelijk de motivatie en stemming uitgezocht. Het heeft ook, door de herschikking van delen van het orkest in zijn toneelopstelling, een nieuwe focus gelegd op de dramatische bedoelingen van Debussy's partituur (luister vooral naar de bijdragen van de hartslagpauken).

Net als het potentiële publiek van de opera, hebben dirigenten van Pelléas de neiging om zich te verdelen in fanatici of afwezigen. Eerdere uitvoeringen hebben Rattle duidelijk geïdentificeerd als een van de eersten. Hij onderhandelt een fijn evenwicht tussen de opzettelijke momenten van stilstand van de partituur – vaak momenten van de rijkste orkestrale verbeelding – en het drama van een verhaal waarvan de voortdurende weigering van de personages om de realiteit te zien of onder ogen te zien Sellars’ toespelingen op een Alfred Hitchcock-film rechtvaardigt. (In Act 4, vergeet niet, vlak voor zijn dood, zegt Pelléas nog steeds dat hij niemand kan zien, terwijl een duidelijk vijandige Golaud vlak achter hem en Mélisande staat.)

Rattle houdt zowel een duidelijke puls in individuele scènes als een rode draad die positief de radicale intercutting van scènes van verschillende fysieke en emotionele locaties in de centrale acts van Debussy en Maeterlinck viert. Hij gebruikt een breed en gedetailleerd orkestraal palet, maar nogmaals, de balans is erg goed gemaakt tussen het brede dynamische bereik van de partituur - ook mooi opgemerkt door Ernest Ansermet op zijn vroege en niet te negeren Decca-opname - en onnodig romantisch gewicht, een verwennerij die Karajan (Warner), die vaak een soortgelijk pad lijkt te bewandelen als Rattle, niet uit de weg gaat. De duidelijke invloed van Parsifal op de intermezzo's is duidelijk voelbaar, maar niet moeizaam. Rattle's tempo's zijn ook attent op het natuurlijke tempo en ritme van conversatie in plaats van op zichzelf abstracte muzikale climaxen op te werpen. Het spel van het LSO is overal op een hoog niveau van virtuositeit - probeer bijvoorbeeld de snel bewegende begeleiding van Golaud die Mélisande bij haar haar rondtrekt in Acte 4, scène 2.

Afgezien van de in Montreal geboren Gerald Finley zijn er geen natuurlijke Franstaligen in de cast, maar maak je geen zorgen. De taalkant, een vervelende fout op sommige rivaliserende opnames, is volledig verzorgd. Het Frans van de Duitsers Pelléas en Arkel is vooral goed bestudeerd. Zowel Gerhaher als Kožená zijn goed in het niet overdrijven van de pudding van hun verwarringen en naïviteiten, of zelfs flirterigheid, wat nog meer aandacht op de woorden vestigt. Finley slaagt erin om Golauds woedeaanvallen angstaanjagend te maken zonder het 'kwaadaardige' melodrama dat grotere, donkerdere stemmen aan de rol hebben toegevoegd. En de oudere generatie is duidelijk - en nogmaals, gewoon - gefocust op wat ze zeggen, Seligs Arkel beweegt in zijn verdediging van de stervende Mélisande in Acte 5.

Pelléas heeft geluk gehad op schijf. Afgezien van de eerste Ansermet – die een gevoel van verwondering heeft wanneer elke pagina wordt omgeslagen – is er de beroemde oude Désormière, een onberispelijke, zij het enigszins koele hoofdversie in onvermijdelijk gedateerd geluid. Onweerstaanbaar – en duidelijk anders in aanpak – zijn de Haitink/Franse Radio-versie (prachtig dirigeren, erg triest en misschien wel zijn beste opera-opname tot nu toe) en Pierre Boulez, de opdrachtgever van de huidige opname. De laatste is opmerkelijk vanwege een no-nonsense zwart-wit weergave van de noten, waardoor de partituur nog eigentijdser klinkt dan hij was.

Als we het over concurrentie hebben, scoort deze nieuwe versie (die, zoals ik al aangaf, uitzonderlijk schoon en goed klinkt) hoog op de lijst en wordt ten zeerste aanbevolen – een vroeg juweel in de kroon van Simon Rattle’s aanvaarding van het hoofddirigentschap van het LSO.

This is a takeover from Berlin of a Peter Sellars platform staging of Debussy’s opera. Sellars’s directing of the cast (identical in London to Berlin) has sorted out clearly motivation and mood. It has also, by virtue of his stage layout’s resiting of parts of the orchestra, brought new focus to the dramatic intentions of Debussy’s scoring (listen especially to the heartbeat timpani’s contributions).

Rather like the opera’s potential audience, conductors of Pelléas tend to divide into fanatics or absentees. Previous performances have clearly identified Rattle as one of the former. He negotiates a fine balance between the score’s intentional moments of stasis – often moments of the richest orchestral imagination – and the drama of a story whose characters’ continual refusal to see or face realities justifies Sellars’s allusions to an Alfred Hitchcock film. (In Act 4, remember, just before his death, Pelléas is still saying that he cannot see anyone when an evidently hostile Golaud is right behind him and Mélisande.)

Rattle maintains both a clear pulse in individual scenes and a through line which positively celebrates Debussy’s and Maeterlinck’s radical intercutting of scenes of varied physical and emotional locations in the central acts. He uses a broad and detailed orchestral palette but, again, the balance is very well made between the score’s wide range of dynamics – nicely observed too by Ernest Ansermet on his early and not to be ignored Decca recording – and unnecessary Romantic weight, an indulgence which Karajan (Warner), who often seems to be treading a similar path to Rattle, does not avoid. The obvious influence of Parsifal on the interludes is clearly felt but not laboured. Rattle’s tempos are also attentive to the natural pace and rhythm of conversation rather than throwing up abstract musical climaxes on their own. The LSO’s playing throughout is at a high level of virtuosity – try, for example, the fast-moving accompaniment to Golaud’s pulling Mélisande around by the hair in Act 4 scene 2.

Aside from the Montreal-born Gerald Finley there are no natural French speakers in the cast – but don’t worry. The language side, an annoying glitch on some rival recordings, has been fully taken care of. The French of the German Pelléas and Arkel is especially well studied. Both Gerhaher and Kožená are good at not over-egging the pudding of their confusions and naiveties, or indeed flirtatiousness, which fixes even more attention on the words. Finley manages to make Golaud’s rages frightening without the ‘evil’ melodrama that bigger, darker voices have brought to the role. And the older generation are clearly – and again, simply – focused on what they are saying, Selig’s Arkel moving in his defence of the dying Mélisande in Act 5.

Pelléas has been lucky on disc. Aside from the first Ansermet – which has a sense of wonder when every page is turned – there is the famous old Désormière, an impeccable if slightly cool mainline version in inevitably dated sound. Irresistible – and distinctly different in approach – are the Haitink/French Radio version (beautiful conducting, very sad and perhaps his finest opera recording to date) and Pierre Boulez, the dedicatee of the present recording. The latter is remarkable for a no-nonsense black-and-white statement of the notes which makes the score sound even more contemporary than it was.

If we are talking competition, this new version (which, as I have already hinted, sounds exceptionally clean and fine) scores high up the list and is highly recommended – an early jewel in the crown of Simon Rattle’s assumption of the principal conductorship of the LSO