maart 2021
Paris: Chausson - Prokofiev - Rautavaara
Hilary Hahn & Radio France Philharmonic Orchestra o.l.v. Mikko Franck
Van de late lyriek van Rautavaara tot de urgente intensiteit van Prokofjev: Hilary Hahns boeiende eerbetoon aan de stad Parijs is fantasierijk geprogrammeerd en briljant uitgevoerd.
Programma's die conventionele verwachtingen uitdagen, zijn vanaf het begin een kenmerk van Hilary Hahns opnamecarrière geweest. Haar debuutconcerto-cd durfde Beethoven te koppelen aan Leonard Bernsteins Serenade (Sony, 3/99), destijds een zeldzaamheid. Haar nieuwste project, dat zich uitstrekt over een sabbaticaljaar dat niet bepaald ideaal getimed bleek te zijn, eindigt met eerste opnames van twee composities die hetzelfde onbepaalde label dragen.
Tegen het einde van zijn leven keek Einojuhani Rautavaara nostalgisch en zonder ironie terug op muziek die op maat was gemaakt voor deze artiesten. De opname is afkomstig van de postume première die ze in februari 2019 in Parijs gaven. Herinnerde Rautavaara zich de Op 69 Serenades Sibelius die vóór de Eerste Wereldoorlog waren voltooid, een door viool geleid paar van vergelijkbaar bescheiden afmetingen? Rautavaara's 'Sérénade pour mon amour' heeft een lyriek en nobele uiting die niet alleen de doorgewinterde liefhebbers zal aanspreken, maar ook bewonderaars van de melodieuzere VW, de eerdere Tippett en de lichtere Sibelius. De rustgevende acht minuten, in feite één lange melodie voor viool en strijkers, zou een groot publiek kunnen vinden op Classic FM. De 'Sérénade pour la vie', nog niet helemaal af toen Rautavaara stierf, is door Kalevi Aho uitgewerkt voor grotere troepen. Het vindt minder gemakkelijk zijn weg naar een abrupte agitato ontknoping. Deze verslagen moeten als gezaghebbend worden beschouwd. Het team had eerder het scherpere Vioolconcert (1977) van de componist verdedigd en hun verzoek om iets nieuws in Parijs te spelen werd beschouwd als een utopie totdat het manuscript aan het licht kwam.
Het is dan ook verrassend om Prokofjevs eerste meesterwerk in de vorm te vinden die centraal staat in de huidige reeks. Onverschillig ontvangen bij de première in 1923 in de stad van licht en liefde die het album zijn verbindende draad geeft, was het Joseph Szigeti die het concert in het Westen vestigde, David Oistrakh vervulde dezelfde functie in het Sovjetblok. Hun opnamen (Naxos, 12/35; Warner, 9/55) blijven toegankelijk, naast tientallen andere, maar ik betwijfel of de partituur ooit 'beter' is gespeeld dan hier. Terwijl anderen extra charme en tederheid vinden, tonen er maar weinig Hahns greep op het argument. Nooit heb ik het snelle tweede deel met zo'n gerichte intensiteit horen afvuren. Er zijn geen onnatuurlijke versnellingswisselingen, geen neiging tot racen, eerder een stalen vastberadenheid om onderscheid te maken tussen sul ponticello en con sordino herhalingen van hetzelfde materiaal, om elke afzonderlijke noot te articuleren, hoe vluchtig ook. De uitvoering is goed genoeg om je constant vaste favorieten te laten heroverwegen. Is Kyung-Wha Chungs verleidelijke blues-geïnspireerde vrijheid onder André Previn (Decca, 3/77) eigenlijk een list om de noten te omzeilen? Is zelfs Oistrakhs afstemming met Lovro von Matačić helemaal raak, en waarom maakt hij niet meer van die markeringen in het Scherzo?
Zonder zo ver te gaan als sommigen om de modernistische korrel in Prokofievs oester te omarmen, herinnert Hahn ons eraan dat dit een opus is dat Stravinsky bewonderde, tegelijk zoet, cool en precies. Door vast te houden aan mainstream tempo's, brengt Mikko Francks orkestrale weefsel een nieuw geslagen kwaliteit over vanaf het moment dat hij de openingsmelodie laat zweven over een sprookjesachtige glans die subtieler is dan die op de pagina gecodeerd is. Old-school strijkinstrumenten-gebaseerde texturen worden grotendeels verworpen ten gunste van een meer gedetailleerde, lineaire benadering. Het geluidsteam plaatst Hahns intonatie-rotsvaste viool op de voorgrond zonder details te verdoezelen. De fagot is passend 'aanwezig' in de finale. Je hoort niet zoveel tuba – maar wil iemand dat eigenlijk wel? De kristalheldere trillerketens van de soliste klinken duidelijk tegen het einde. Prachtig!
Chaussons sensuele Poème uit 1896 hoor je tegenwoordig minder vaak en sceptici vragen zich misschien af waarom het als voorprogramma is gekozen. Net als Prokofiev bevat het een partij voor tuba. Net als Rautavaara kan het worden gezien als een soort einde-van-levensstuk – al was het maar omdat Chausson drie jaar later omkwam bij een fietsongeluk. Hij was in ieder geval een Parijzenaar en Hahn voelt een verdere connectie via de grote Belgische virtuoos voor wie het bedoeld was: Eugène Ysaÿe was de leraar van haar leraar. Ze speelt de partituur met gepassioneerde intensiteit, ook al is haar wonderbaarlijk zekere toon minder direct verleidelijk dan die van bijvoorbeeld Itzhak Perlman in dit soort repertoire. Zijn analoge klassieker (Warner, 1/76) heeft Jean Martinons timbraal onderscheidende Orchestre de Paris teruggezet in een grotere Wagneriaanse akoestiek. Mikko Franck, een man van onze eigen tijd, heeft andere prioriteiten, zoals ervoor zorgen dat het laatste akkoord op toon blijft. Voor jongere luisteraars zal dit allemaal goed zijn. DG's behoorlijk mooie ontwerpconcept kan aanspreken of niet, maar Hahns eigen geschreven commentaar is scherpzinnig, nooit pretentieus. Fans zullen dit al hebben gemarkeerd als een verplichte aankoop en waarschijnlijk een kanshebber voor de Awards. Ze hebben niet ongelijk.
Programmes challenging conventional expectations have been a feature of Hilary Hahn’s recording career from the word go. Her debut concerto disc dared to couple the Beethoven with Leonard Bernstein’s Serenade (Sony, 3/99), then something of a rarity. Her latest project, straddling a sabbatical year that has turned out to be less than ideally timed, concludes with first recordings of two compositions bearing that same indeterminate label.
Nearing the end of his life, Einojuhani Rautavaara looked back nostalgically and without irony in music tailor-made for these performers. The recording derives from the posthumous premiere they gave in Paris in February 2019. Was Rautavaara remembering the Op 69 Serenades Sibelius completed before the First World War, a violin-led pair of comparably modest dimensions? Rautavaara’s ‘Sérénade pour mon amour’ has a lyricism and nobility of utterance that should appeal beyond the ranks of diehard devotees to admirers of the more melodic VW, the earlier Tippett and the lighter Sibelius. Its soothing eight minutes, essentially one long tune for violin and strings, could find a mass audience on Classic FM. The ‘Sérénade pour la vie’, not quite finished at the time of Rautavaara’s death, has been fleshed out for larger forces by Kalevi Aho. It finds its way less easily to an abrupt agitato denouement. These accounts must be reckoned authoritative. The team had previously championed the composer’s more astringent Violin Concerto (1977) and their request for something new to be played in Paris was thought to have remained a pipe dream until the manuscript came to light.
It’s surprising then to find Prokofiev’s first masterpiece in the form at the heart of the present sequence. Indifferently received at its 1923 premiere in the city of light and love that gives the album its unifying thread, it was Joseph Szigeti who then established the concerto in the West, David Oistrakh performing the same function in the Soviet bloc. Their recordings (Naxos, 12/35; Warner, 9/55) remain accessible, alongside dozens more, yet I doubt whether the score has ever been played ‘better’ than it is here. While others find additional pockets of charm and tenderness, few demonstrate Hahn’s grip on the argument. Never have I heard the quick-fire second movement dispatched with such focused intensity. There are no unnatural gear changes, no tendency to race, rather a steely determination to differentiate between sul ponticello and con sordino reiterations of the same material, to articulate every single note, however fleeting. The performance is good enough to have one constantly reassessing firm favourites. Is Kyung-Wha Chung’s seductive blues-inflected freedom under André Previn (Decca, 3/77) actually a ruse to get round the notes? Is even Oistrakh’s tuning with Lovro von Matačić absolutely spot on, and why doesn’t he make more of those markings in the Scherzo?
Without going as far as some to embrace the modernist grit in Prokofiev’s oyster, Hahn reminds us that this is an opus Stravinsky admired, at once sweet, cool and precise. Sticking with mainstream tempos, Mikko Franck’s orchestral fabric conveys a newly minted quality from the moment he has the opening melody float over a fairy-tale shimmer subtler than that encoded on the page. Old-school string-based textures are largely discarded in favour of a more detailed, linear approach. The sound team foregrounds Hahn’s intonationally rock-solid violin without obscuring detail. The bassoon is suitably ‘present’ in the finale. You don’t hear that much tuba – then again does anyone really want to? The soloist’s crystalline trill-chains register clearly towards the close. Marvellous!
Chausson’s sensual Poème of 1896 is heard less frequently these days and sceptics might wonder why it was chosen as curtain-raiser. Like the Prokofiev it includes a part for tuba. Like the Rautavaara it can be seen as something of an end-of-life piece – if only because Chausson was killed in a cycling accident three years later. He was at least a Parisian and Hahn feels a further connection via the great Belgian virtuoso for whom it was intended: Eugène Ysaÿe was her teacher’s teacher. She plays the score with passionate intensity even if her wonderfully secure tone is less immediately seductive than, say, Itzhak Perlman’s in this kind of repertoire. His analogue classic (Warner, 1/76) has Jean Martinon’s timbrally distinctive Orchestre de Paris set back in a bigger Wagnerian acoustic. Mikko Franck, a man of our own time, has different priorities, like making sure the last chord stays in tune. For younger listeners this will be all to the good. DG’s pretty-pretty design concept may or may not appeal but Hahn’s own written commentary is perceptive, never pretentious. Fans will already have marked this one down as a compulsory purchase and likely Awards contender. They’re not wrong.